Il lavoro di Martha Jiménez, Teresa Sánchez, Lisbet M. Fernández e Beatriz Sala Santacana ha subito dei cambiamenti significativi dal punto di vista formale e concettuale, i quali, come ha affermato la dott.ssa Maria Elena Jubrias ¹, mostrano le trasgressioni del paradigma moderno nelle arti visive e, concretamente, nella ceramica cubana. È necessario considerare il trattamento formale dell’oggetto con indicatori postmoderni, così come il repertorio tematico incentrato sui significati più generali.

Una valutazione del lavoro svolto da queste quattro artiste mostra che essi dovrebbero essere definitivamente considerati postmoderni, non solo perché trasgrediscono i generi e danno rilievo alla ceramica scultorea di piccolo formato, ma anche perché ricorrono ad altri indicatori come la demistificazione, la smaterializzazione e la preminenza del concettuale sul formale. I loro discorsi esprimono contenuti postmoderni perché si concentrano su questioni umane e sulla ridefinizione dell’arte ceramica.²

A differenza degli artisti precedenti, nelle loro opere le preoccupazioni formali ed estetiche sono ridotte al minimo. Per quanto riguarda la demistificazione, spiccano le grottesche donne mulatte di Martha Jiménez e le proposte di Teresa Sánchez, che ripete qualcosa di irriverente come gli escrementi. Si può quindi affermare che il grottesco è uno degli elementi demistificatori che contraddistinguono la maggior parte della produzione di alcune di queste autrici. Inoltre, questo viene portato a limiti insospettabili e diventa un’importante strategia discorsiva. Per esempio, i personaggi di Martha Jiménez potenziano gradualmente e in modo contraddittorio la loro sensualità, non solo attraverso labbra, seni e sederi esagerati, ma anche attraverso una combinazione di elementi che possono avere un impatto negativo a livello visivo. Le sculture di piccolo formato realizzate da Teresa Sánchez in una fase iniziale rivelano un trattamento estremamente aggressivo a causa del suo fedele attaccamento al linguaggio neo-espressionista tipico della sua formazione accademica in Germania. L’artista utilizza spesso il contrasto tra smalti luminosi e tonalità calde, che rende la rappresentazione addirittura respingente. Tutta la sua opera nega apertamente il sublime formalista. Questo raggiunge il suo apice nelle consuete forme scatologiche che si vedono nelle sue ultime realizzazioni in ceramica e che sono apertamente visibili in tutti i suoi lavori. L’incorporazione di materiali estranei alla ceramica come capelli, metallo, piume, preservativi e molti altri oggetti evidenzia il carattere grottesco delle proposte e ne completa il messaggio. 

D’altra parte, Santacana ricicla oggetti di recupero, li sperimenta e li riconcettualizza. Sceglie metallo, legno, vetro, corda e tessuto per incollarli al manufatto in argilla secondo i suoi gusti. In generale, tutte queste creatrici sono riuscite a demolire la nozione errata di ceramica come oggetto bello e decorativo. La forza visiva delle sue opere è direttamente collegata ai significati e alle possibili letture. Si può quindi parlare di un concetto rinnovato che si esprime proprio nella libertà dell’autore di fare tutto ciò che ritiene necessario per generare determinate riflessioni. Tuttavia, l’installazione come modalità discorsiva è diventata una proposta differenziata nelle quattro ceramiste analizzate. Anche se nella ceramica la dematerializzazione non arriva all’estremo come in altre manifestazioni visive, si percepisce nel carattere effimero di alcune installazioni. Questa espressione artistica è diventata un elemento costante nel lavoro di Teresa Sánchez. La sua installazione Epojé, concepita esclusivamente per una delle volte de La Cabaña e adattata di conseguenza alle pareti e ai soffitti di quello spazio, non sarà mai ripetibile.

Le proposte installative erano presenti anche nei primi lavori di Lisbet, oltre che in quelli successivi, in modo molto più consapevole. La mostra “Sense”, ad esempio, è una delle sue esposizioni più emblematiche per “[…] la sua sintesi concettuale e formale, la combinazione di elementi molto diversi ma anche fragili e il modo di installare le sculture in terracotta”.³ 

D’altra parte, grazie alle proprie dinamiche lavorative, Santacana è stata motivata a realizzare ensemble scultorei e installazioni, queste ultime concepite per spazi all’aperto, come nel caso di Inertia. 

Queste artiste hanno anche privilegiato i valori concettuali delle opere rispetto ai loro attributi formali. Le donne mulatte di Martha Jiménez, inizialmente popolari e banali, si sono intrecciate con i conflitti sociali attuali, così come altri personaggi femminili della sua recente serie dedicata al circo. 

D’altra parte, Teresa Sánchez ha dichiarato quanto segue: “[…] l’aggressività, l’erotismo, l’ironia, l’umorismo, ecc. mi sono utili per smontare una possibile rigidità nella lettura e per porre un interrogativo come fulcro dell’opera”.⁴ Queste sono alcune delle strategie discorsive che utilizza comunemente per aumentare il peso semantico dei suoi lavori.

Con la mostra “Crossing my safety”, è evidente che i bambini rappresentati da Lisbet incarnano gli adulti con tutte le loro preoccupazioni. Allo stesso modo, Santacana ha raggiunto un segno distintivo personale attraverso una proposta formale che è un pretesto per indagare sul contesto socio-culturale in cui l’opera è inserita. L’artista omette i tratti del viso dei suoi personaggi per porre l’accento sulle loro azioni e quindi stimolare diverse letture. 

A ciò si aggiunge la complessità dei titoli, generalmente con un’importante dose di riflessione, ironia e impegno nella realtà. Possono esserci termini talvolta sconosciuti, come Epojé di Teresa. Altre volte vengono utilizzate domande o affermazioni esistenziali; ad esempio, Dove sei? Dove sono? di Lisbet e Me lo porto dentro di Martha. Nel caso specifico di Teresa Sánchez, all’inizio il nome delle sue opere si riferiva ad azioni o posture delle figure rappresentate, ma nelle sue proposte più recenti la comprensione diventa più complessa a causa dell’ambiguità delle parole. D’altra parte, Santacana utilizza identificazioni che si riferiscono a una storia e funzionano essenzialmente come sottotesti. Fa anche uso di domande che pongono una serie di interrogativi agli spettatori.

Martha Jiménez, Teresa Sánchez, Lisbet M. Fernández e Beatriz Sala Santacana hanno approfondito temi molto delicati e di grande impatto sociale. La prostituzione, la questione migratoria, diverse questioni legate alla sessualità e la mancanza di comunicazione tra gli esseri umani sono solo alcuni dei temi che diventano preoccupanti nel contesto contemporaneo e che sono stati affrontati da loro con soluzioni visive originali.

Le donne, e in particolare le mulatte, sono state al centro del discorso di Martha Jiménez, per riferirsi non solo all’essenza cubana, ma anche per affrontare temi come la prostituzione, la migrazione, il dramma interiore dell’individuo, le frustrazioni e l’ostracismo. Teresa Sánchez ha attraversato diversi periodi passando dalla simbiosi tra persona e animale alle installazioni con escrementi, passando per una forma di astrazione molto particolare: le masse informi. Attraverso la presenza indiretta dell’essere umano, la creatrice esplora i conflitti ad esso legati, soprattutto la disumanizzazione.

I bambini sono stati i personaggi più ricorrenti per Lisbet M. Fernández fin dalle sue prime incursioni nella ceramica scultorea. Attraverso di essi l’artista esprime i conflitti, gli atteggiamenti e le esperienze quotidiane dell’individuo. La seguente citazione si rivela molto pertinente a questo proposito: “[…] dialogare con l’infanzia o a partire dall’infanzia, spogliandola dagli abiti caotici della situazione sociale attuale, permette di accedere a significati che vanno oltre il comune velo infantile”.⁵

Santacana esprime anche riflessioni sulle persone e sulle loro immediate necessità ambientali ed esistenziali. Pone particolare enfasi sulla diversità di pensiero e sulle differenze etniche e culturali. Inoltre, impiega l’ironia e l’umorismo come strategie per suscitare approcci diversi ai fenomeni. 

In sintesi, queste figure sono artiste del rinnovamento, poiché ridefiniscono la tecnica a partire dai rispettivi linguaggi e la concepiscono come arte, la concezione più aggiornata della ceramica. Ciò è dimostrato quando lo spettatore si trova di fronte a proposte complesse come Return di Martha Jiménez, “In Anima Vili” di Teresa Sánchez, Bend down, bend down di Lisbet Fernández o The march di Santacana, per citare solo alcuni esempi. È evidente l’acutezza e la complessità formale e tematica, espressa dal carattere grottesco delle rappresentazioni, dalla reiterazione della modalità installativa, dall’incorporazione di elementi non ceramici e dalla loro ricontestualizzazione, così come la profondità con cui vengono affrontati i temi, che in molti casi rende difficile l’interpretazione o genera letture nuove e inconsuete.

1 Vedi Maria Elena Jubrias. La ceramica artistica cubana. Tra modernità e postmodernità.

2 Questi indicatori di postmodernità sono stati illustrati dalla dottoressa Maria Elena Jubrias nel suo libro Ceramica artistica cubana. Tra modernità e postmodernità, citato nelle pagine precedenti.

3 Intervista con Lisbet M. Fernández Ramos. Via e-mail. Mercoledì 25 settembre 2013, ore 13:30

4 Teresa Sánchez Bravo. Testo sul volantino della mostra “Expomobile II”, 2° Incontro di Arte Contemporanea Cubana, Centro di Sviluppo delle Arti Visive, L’Avana, novembre 1998.

5 Lisbet Madelin Fernández Ramos. Vocazione di apprendista, p.4.